Hay algo profundamente australiano en la manera de entender el rock'n roll de Courtney Barnett. Una mezcla de insolencia cotidiana, ironía, desencanto, guitarras sin demasiados modales y una extraordinaria capacidad para convertir las pequeñas miserias de la vida en relatos de una honestidad casi incómoda. No necesita grandes declaraciones, tampoco personajes extraordinarios ni escenografías grandilocuentes. Le basta observar el mundo, escuchar lo que sucede a su alrededor y

Hubo una. Y qué manera de existir. Hubo una banda llamada Rush que convirtió el virtuosismo en una forma de pensamiento, el rock en una arquitectura sonora y a tres músicos canadienses en una de las anomalías más fascinantes de la historia de la música popular. Una banda que nunca necesitó ser la más popular de su generación para convertirse en una de las más respetadas; que jamás dependió de una imagen escandalosa para imponer su personalidad y que, contra las reglas de una

En 1977, mientras el rock parecía atrapado entre los excesos del virtuosismo, los estadios multitudinarios y las producciones cada vez más monumentales, cuatro muchachos británicos irrumpieron con una propuesta que parecía negar todo aquello que la industria musical había convertido en dogma. No querían demostrar que podían tocar más rápido que sus contemporáneos, construir solos interminables o levantar catedrales sonoras. Su desafío consistía, precisamente, en demostrar que

Simon Le Bon entendió algo que buena parte del rock tardó en aceptar: la revolución musical también podía librarse frente al espejo. En los primeros años de los ochenta, cuando el punk comenzaba a convertirse en memoria reciente y la new wave buscaba sus propios códigos de identidad, el vocalista de Duran Duran apareció como una figura situada en una frontera fascinante: de un lado, la energía irreverente de una generación que quería dinamitar las convenciones; del otro, el r

Lo han pedido por mucho tiempo y por fin será una realidad, Motionless in White volverá a México muy pronto. Han pasado 11 años desde la última visita de Chris “Motionless” (voz), Ryan Stikowski (guitarra), Ricky “Horror” (guitarra), Vinny Mauro (batería) y Justin Morrow (bajo) encabezando su propio concierto, es justo que regresen a lo grande como parte de The Come To Latin America Tour 2027. Aparta la fecha: 26 de febrero del 2027 en Velódromo Olímpico de la Ciudad de Méxic

Su música no necesita levantar la voz para hacerse escuchar, ni recurrir al estruendo para imponer su presencia. En un universo musical que con frecuencia confunde la evolución con la ruptura y la modernidad con la velocidad, Sade encontró una forma distinta de avanzar: despojándose de lo innecesario, refinando sus silencios y convirtiendo la contención en una de las expresiones más sofisticadas de la sensualidad contemporánea. Cuando apareció Love Deluxe, el 26 de octubre de

En un país acostumbrado a las botas militares, a los silencios impuestos y a la obediencia convertida en virtud nacional, decidió hacer de la música un territorio de insurrección. No necesitó encabezar un ejército ni redactar un programa político: le bastó con desafinar las certezas de una sociedad que pretendía marchar al mismo compás. Argentina conoció durante buena parte del siglo XX una relación traumática entre el poder militar y la vida civil. El golpe de Estado de 1976

Su nombre quizá no ocupa el mismo espacio en la memoria colectiva que Mick Jagger, Keith Richards o Brian Jones, pero basta escuchar la música que los Rolling Stones grabaron entre 1968 y 1973 para comprender que una parte fundamental de la identidad más poderosa de la banda lleva su firma, aunque no aparezca en la portada. Miller no inventó a los Rolling Stones. La electricidad ya estaba allí, instalada en las guitarras de Richards, en la insolencia vocal de Jagger y en aque

Hay nombres que parecen un error de imprenta, una broma privada o una provocación lanzada contra la solemnidad de la industria musical. The The pertenece a esa categoría. ¿The The? ¿El El? ¿La La? El nombre parece negarse a cumplir con la primera obligación de cualquier banda: facilitar que la recuerden. Pero detrás de esa aparente redundancia se esconde Matt Johnson, un músico que convirtió la extrañeza en identidad y la inconformidad en una forma de expresión artística. En

Basta una máquina, una voz que parece emerger de una habitación cerrada y una colección de canciones capaces de convertir la angustia, el deseo, la rabia y la alienación en una experiencia sonora incómodamente humana. En 1989, cuando el rock todavía parecía debatirse entre la épica de los estadios, la supervivencia del punk y la teatralidad del glam metal, un joven llamado Trent Reznor decidió que la provocación no tenía por qué venir del volumen de los amplificadores ni de l

Hay encuentros musicales que parecen obedecer a una ley secreta del tiempo: artistas que pertenecen a generaciones distintas, separados por décadas de historia, pero unidos por una misma manera de entender la música como un acto de irreverencia. El de Wanda Jackson y Jack White es uno de esos encuentros. Aunque la historia suele contarse como el descubrimiento de una leyenda olvidada por parte de un músico contemporáneo, la realidad es bastante más interesante: Wanda Jackson

Peter Tosh entendió que el reggae podía ser mucho más que música: podía convertirse en un arma de confrontación, una declaración de guerra contra la injusticia y un instrumento para devolverle la dignidad a quienes habían aprendido a vivir bajo el peso de la dominación. Allí donde Bob Marley construyó buena parte de su leyenda alrededor de la unidad, la espiritualidad y la posibilidad de una redención colectiva, Tosh eligió con frecuencia el camino más áspero: señalar al enem

Michael Peter Balzary, conocido universalmente como Flea, pertenece a la estirpe de músicos que convierten una técnica musical en una extensión del cuerpo, una descarga de energía en lenguaje y el escenario en un territorio donde las leyes de la física parecen negociables. En él, el bajo eléctrico dejó de ser un instrumento condenado a la discreción de los cimientos rítmicos para convertirse en una criatura indomable, capaz de saltar al primer plano, incendiar una canción y r

La espera terminó para una de las fanaticadas más fieles del planeta. La agrupación irlandesa U2, liderada por Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr., ha hecho oficial su retorno a los escenarios internacionales con el anuncio de "The Greatest Show On Earth World Tour 2027". Para beneplácito del público mexicano, la Ciudad de México marcará el inicio de esta ambiciosa gira mundial con dos fechas consecutivas en el renovado Estadio GNP Seguros. El espectáculo no solo

Hay discos que cruzan las fronteras de la cultura, desafían las convenciones de la industria y obligan al mundo a mirar aquello que preferiría mantener a distancia. Graceland, el álbum que Paul Simon publicó en 1986, pertenece a esa categoría incómoda y fascinante en la que la música deja de ser solamente una experiencia estética para convertirse en un campo de batalla político, cultural y moral. Sudáfrica vivía entonces bajo el régimen del apartheid, un sistema institucional

Tusk, publicado en octubre de 1979, pertenece a la categoría de los álbumes que desafían a su propio pasado, desconfían de las fórmulas que los hicieron célebres y se atreven a imaginar un futuro distinto, incluso cuando el presente parece ofrecer todas las razones para no cambiar nada. Después de Rumours, Fleetwood Mac habitaba una paradoja. El álbum de 1977 había convertido las fracturas sentimentales de sus integrantes en una extraordinaria maquinaria de canciones, armonía

Publicado el 10 de octubre de 1969 por King Crimson, es una obra que, mientras el rock todavía intentaba comprender las posibilidades abiertas por la psicodelia, se atrevió a imaginar un territorio donde la música popular podía abandonar sus propias fronteras y convertirse en una experiencia de dimensiones casi metafísicas. No se trataba simplemente de tocar más, de alargar las canciones o de exhibir la destreza de los músicos. Se trataba de cambiar la naturaleza misma del ro

Durante años fue Johnny Cougar, después John Cougar, más tarde John Cougar Mellencamp y, finalmente, John Mellencamp. Cuatro nombres para un solo hombre, como si su carrera hubiese necesitado atravesar distintas máscaras antes de llegar al rostro verdadero. El asunto podría parecer una simple anécdota de la industria discográfica, una curiosidad para coleccionistas de vinilos o una confusión recurrente al buscar sus discos. Pero detrás de aquella mutación nominal existe una h

Su música nunca pareció hablar solamente del presente: hablaba de aquello que estaba por suceder. Como si hubiera escuchado, detrás del ruido cotidiano, el crujido de una civilización que comenzaba a perder el control sobre sí misma. Cuando Radiohead apareció, a principios de los años noventa, el rock todavía conservaba la ilusión de que podía reinventarse sin abandonar completamente sus viejas coordenadas. Pero Yorke parecía desconfiar de esa posibilidad. Mientras otros cant

Hubo un momento en que el hard rock parecía tener reglas perfectamente establecidas. La guitarra debía rugir, el amplificador debía ser una extensión de la fuerza física del músico y el solo debía funcionar como el instante de liberación absoluta dentro de una canción construida sobre riffs, volumen y actitud. El género había encontrado su lenguaje en las manos de Jimmy Page, Ritchie Blackmore, Tony Iommi y tantos otros. Pero entonces apareció Eddie Van Halen y, sin pedir per