Pocas figuras del cancionero estadounidense han envejecido con tanta elegancia como Cole Porter. Su música pertenece a una época de smokings impecables, cócteles servidos en copas de cristal y sofisticadas conversaciones en los salones de Nueva York, pero su obra continúa sonando sorprendentemente contemporánea. En un siglo XXI dominado por la inmediatez, la exposición permanente y las emociones expresadas sin filtros, Porter sigue representando algo cada vez más raro: el art

A mediados de los años ochenta, cuando el pop sintético dominaba las listas y el soul clásico parecía haber quedado relegado a la nostalgia, surgió una banda improbable desde la industrial y gris ciudad de Manchester. Liderados por Mick Hucknall, los integrantes de Simply Red lograron una hazaña poco común: recuperar la sensibilidad emocional del soul tradicional y traducirla para una nueva generación sin convertirla en una pieza de museo. Desde su debut con el álbum Picture

Pocas veces en la historia de la música una casualidad cambió tanto el destino de un género entero. Cuando la joven cantante brasileña Astrud Gilberto entró al estudio en 1963 para participar en las sesiones del álbum Getz/Gilberto, nadie imaginaba que aquella voz suave, casi susurrada y sin experiencia profesional significativa frente a los micrófonos, terminaría convirtiéndose en el sonido que presentó la bossa nova al mundo. La historia comenzó cuando el saxofonista estado

En una década dominada por el brillo sintético, la estética corporativa y la promesa de prosperidad ilimitada, Born in the U.S.A. apareció como un extraño fenómeno cultural. A primera vista parecía la celebración definitiva del sueño americano: estadios repletos, himnos monumentales y la imagen musculosa de Bruce Springsteen frente a una bandera estadounidense. Sin embargo, bajo esa superficie triunfalista habitaba una obra mucho más compleja, un retrato de las heridas económ

La banda de York, Pensilvania, +LIVE+ regresa a México este 19 de septiembre en una noche imperdible para una celebración de más de tres décadas de carrera junto a 4 Non Blondes y Soul Asylum como invitados especiales. Marca tu calendario, y prepárate este 19 de septiembre en el Velódromo Olímpico de Ciudad de México. Un encuentro con bandas que marcaron una generación y que pocos imaginaban volver a ver compartiendo escenario en México. Con más de 23 millones de álbumes vend

Cuando Bob Marley publicó Exodus en 1977, el reggae dejó de ser únicamente una expresión cultural jamaicana para convertirse en un lenguaje universal. Concebido en un período particularmente turbulento de la vida de Marley —marcado por la violencia política en Jamaica y su posterior exilio en Londres—, el disco condensó espiritualidad, conciencia social, celebración popular y una visión profundamente humana del mundo. Pocas veces un álbum ha logrado equilibrar con tanta natur

Antes de convertirse en el pulso sereno e inconfundible de los Rolling Stones, Charlie Watts soñaba con otro destino. Fascinado por el jazz moderno que surgía de los clubes estadounidenses de posguerra, admiraba profundamente a Charlie Parker, la figura central del bebop, y dedicaba horas a estudiar los patrones rítmicos de los bateristas que acompañaban a “Bird”. Su aspiración juvenil no era alcanzar la fama en los estadios ni encabezar listas de popularidad; quería formar p

Cuando apareció el álbum debut de Eagles en 1972, pocos podían imaginar que aquel grupo formado por músicos que habían acompañado a Linda Ronstadt terminaría redefiniendo la relación entre el country y el rock para toda una generación. El country-rock ya existía gracias al trabajo pionero de The Byrds, Gram Parsons y Buffalo Springfield, pero Eagles consiguió algo que nadie había logrado hasta entonces: llevar aquella fusión a una audiencia masiva sin sacrificar su identidad.

Sí. Aunque a veces se exagera su papel como si hubiera “inventado” todo lo que vino después, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band sigue siendo uno de los discos más importantes de la historia de la música popular. La cuestión interesante es entender por qué. Cuando apareció en 1967, el rock todavía era visto por muchos como una forma de entretenimiento juvenil relativamente efímera. Los álbumes existían, por supuesto, pero el sencillo seguía siendo la unidad principal de con

Decir que Oasis es “la banda más sobrevalorada de todos los tiempos” probablemente dice tanto del agotamiento cultural alrededor del grupo como de la propia música. Pocas bandas han sido tan magnificadas por la prensa, tan mitificadas por la nostalgia y, al mismo tiempo, tan ferozmente cuestionadas por quienes ven en ellas una fórmula simple elevada artificialmente a categoría de epopeya generacional. Pero justamente ahí reside el fenómeno: Oasis nunca fue una banda de virtuo

Pocas figuras en la historia del jazz encarnan con tanta claridad la idea del músico como explorador absoluto. Su sonido —enorme, robusto, lleno de ironía, fuerza y libertad— parece contener simultáneamente toda la tradición del jazz moderno y su impulso permanente hacia lo desconocido. Rollins no solo sobrevivió a la era dorada del bebop: logró expandirla, desafiarla y mantenerla viva cuando muchos de sus contemporáneos quedaron atrapados en sus propios estilos o desaparecie

La fascinante oscuridad luminosa de Stevie Nicks habita un territorio extraño: un lugar donde la fragilidad emocional convive con una fuerza casi mística. Pocas figuras en la historia del rock han conseguido construir una identidad tan reconocible y, al mismo tiempo, tan envuelta en misterio. Su voz —áspera, temblorosa, llena de viento y ceniza— parece surgir de una dimensión paralela donde el folk, el blues californiano y la espiritualidad bohemia de los años setenta se fund

Hay artistas que escriben canciones, y hay otros que alteran para siempre la manera en que una cultura entiende el lenguaje. Bob Dylan pertenece a esa rara categoría. Su irrupción en los años sesenta no solo transformó la música popular: desplazó el eje emocional y literario del rock, llevando la sensibilidad introspectiva y narrativa de la tradición folk hacia un universo pop capaz de dialogar con la poesía, la filosofía, la política y la espiritualidad contemporánea. Hasta

Cuando OK Computer apareció en 1997, el rock todavía intentaba sobrevivir a la resaca del grunge y a la sobreexposición del britpop. El futuro parecía dominado por la euforia tecnológica, el capitalismo global y la promesa luminosa de la era digital. Pero mientras buena parte de la cultura pop celebraba el optimismo de fin de milenio, Radiohead escuchó otra frecuencia: ansiedad, alienación, vigilancia, deshumanización. OK Computer no sonaba como un disco del futuro; sonaba co

En 1971, mientras Estados Unidos se desangraba entre Vietnam, la violencia racial, la brutalidad policiaca y el desencanto generacional, Marvin Gaye convirtió una pregunta desesperada en una plegaria universal: “Brother, brother, brother… there’s too many of you dying…”. No era solamente el inicio de una canción; era el sonido de una conciencia quebrándose frente al mundo. Con What’s Going On, Gaye dejó atrás la figura impecable del crooner romántico de Motown para transforma

Joe Cocker parecía, en apariencia, un improbable sobreviviente del rock. Su voz áspera, quebrada y profundamente desgastada sonaba más cercana al derrumbe emocional que a la sofisticación técnica; su presencia escénica, convulsiva y desarticulada, parecía la antítesis del carisma clásico de las grandes estrellas. Y sin embargo, justamente ahí residió su trascendencia: Joe Cocker convirtió la imperfección humana en una de las formas más intensas de autenticidad musical que pro

Peter Gabriel en su máxima expresión quizá sea el raro equilibrio entre sofisticación artística, riesgo tecnológico y emoción humana. Pocos músicos lograron transformar el rock progresivo en una experiencia tan profundamente sensorial y contemporánea sin perder densidad conceptual. Desde su salida de Genesis en 1975, Gabriel dejó de ser solamente un cantante teatral para convertirse en un arquitecto del sonido moderno: un artista obsesionado con la textura, el espacio, la per

La trayectoria de Chris Cornell puede entenderse como un viaje entre dos extremos emocionales: la furia volcánica del grunge y una introspección cada vez más sofisticada y vulnerable. Desde la crudeza casi metálica de Spoonman hasta la melancolía elegante de Nearly Forgot My Broken Heart, Cornell construyó uno de los recorridos artísticos más complejos y emotivos del rock contemporáneo. Cuando apareció al frente de Soundgarden en el Seattle de los ochenta, Cornell parecía pos

La figura de Ian Curtis parece escrita desde el principio bajo el signo de una contradicción insoportable: un hombre demasiado joven para cargar con el peso emocional que terminó convirtiéndose en la voz definitiva de una época. Su tragedia no fue solamente personal. Fue histórica. Curtis murió en mayo de 1980, exactamente en el momento en que el mundo occidental abandonaba los restos del idealismo de los sesenta y entraba en una era de desindustrialización, ansiedad urbana y

La contagiosa inventiva de Brian Eno ha atravesado más de medio siglo de música contemporánea como una anomalía luminosa. Pocos artistas han logrado transformar tantas veces el sonido popular sin quedar atrapados en una sola identidad. Compositor, productor, teórico y explorador sonoro, Eno convirtió la curiosidad en método creativo y la experimentación en una forma profundamente accesible de arte. Su perspectiva siempre pareció moverse entre la sofisticación intelectual y un