Antes de Remain in Light, antes incluso de que Fear of Music consolidara a Talking Heads como una de las bandas más inquietas de finales de los setenta, existió un disco que marcó el punto exacto en el que el grupo dejó de ser una inteligente anomalía del punk neoyorquino para convertirse en un laboratorio sonoro. Ese disco fue More Songs About Buildings and Food (1978), y gran parte de esa transformación llevó la firma de Brian Eno. Hasta entonces, Talking Heads habían const

El 13 de julio de 1985, el mundo creyó estar presenciando el futuro de la música. En realidad, estaba asistiendo al final de una época. Live Aid permanece en la memoria colectiva como el mayor concierto benéfico jamás organizado. Más de mil millones de personas siguieron la transmisión desde distintos rincones del planeta mientras dos estadios —Wembley, en Londres, y el JFK Stadium, en Filadelfia— reunían a la élite absoluta del rock y del pop. La causa era noble: recaudar fo

Cuando Leon Bridges irrumpió en 2015 con Coming Home, muchos pensaron que se trataba de un ejercicio de nostalgia. Su voz evocaba la calidez de Sam Cooke, la elegancia de Otis Redding y la espiritualidad del góspel sureño. Su vestimenta, la producción analógica y los arreglos minimalistas parecían sacados de un estudio de Memphis de mediados de los años sesenta. En una época dominada por la electrónica y el hip-hop, Bridges sonaba como un artista perdido en el tiempo. Sin emb

Hay artistas que cambian la música. Otros cambian la manera en que una sociedad se mira a sí misma. Neil Tennant pertenece a una categoría todavía más infrecuente: la de quienes lograron ambas cosas sin recurrir al panfleto, al escándalo calculado ni a la militancia estridente. Su revolución fue estética antes que discursiva. Y precisamente por eso terminó siendo profundamente política. Cuando Pet Shop Boys apareció a mediados de los años ochenta, la cultura popular vivía una

En la historia del rock abundan los líderes que parecían destinados desde el principio a ocupar el centro del escenario. Algunos poseían una presencia magnética desde la adolescencia; otros exhibían una confianza casi insolente que convertía el micrófono en una extensión natural de su personalidad. Jim Kerr nunca perteneció a esa categoría. Y, sin embargo, terminó convirtiéndose en uno de los front men más carismáticos y elegantes de la música británica. La paradoja resulta f

El mundo de la música despide a una de las voces más inconfundibles del pop y el rock. La cantante galesa Bonnie Tyler falleció el 8 de julio de 2026, a los 75 años, dejando un legado que marcó a varias generaciones y consolidó su lugar entre las grandes intérpretes de la música contemporánea. Una voz nacida de la adversidad Lo que hizo única a Bonnie Tyler fue precisamente aquello que pudo haber terminado con su carrera. En 1976 se sometió a una cirugía para eliminar nódulos

La respuesta corta es: Ringo Starr fue un baterista mucho mejor de lo que su reputación popular suele reconocer. Si se le evalúa por velocidad, virtuosismo técnico o exhibicionismo, probablemente no figure entre los grandes. Pero si se le juzga por musicalidad, creatividad, sonido e influencia, pertenece sin duda a la élite de la historia del rock. Lo interesante es que Ringo redefinió lo que significaba ser un buen baterista. Antes de él, la batería era, en muchos casos, un

Antes de convertirse en uno de los artistas más respetados y camaleónicos de la música contemporánea, Beck fue visto como un provocador inclasificable. Su irrupción en la década de los noventa con Loser parecía la obra de un músico dispuesto a burlarse de todo: de la industria, de los géneros musicales e incluso de sí mismo. Sin embargo, esa irreverencia nunca fue un simple gesto generacional. Era el lenguaje de un artista que entendía que la libertad creativa solo puede exis

Hablar de Vince Clarke es hablar de uno de los arquitectos silenciosos de la música electrónica moderna. Aunque su nombre rara vez aparece con el mismo protagonismo que el de los grandes vocalistas o las estrellas del pop, su influencia resulta difícil de exagerar. En distintas etapas de su carrera, Clarke contribuyó decisivamente a definir el sonido de tres proyectos fundamentales: Depeche Mode, Yazoo y Erasure. En cada uno de ellos dejó una huella distinta, pero siempre rec

Hay músicos que transforman un instrumento. Otros modifican un género. Y unos pocos, extraordinariamente escasos, alteran la forma en que entendemos la música misma. Ahmad Jamal pertenece a esta última categoría. Nacido en 1930 y fallecido en 2023, Jamal revolucionó el lenguaje del piano de jazz no por la cantidad de notas que tocaba, sino por las que decidía callar. Su arte nunca estuvo basado en el virtuosismo exhibicionista, sino en la convicción de que el silencio también

Hablar de Debbie Harry es hablar de una de las grandes paradojas del rock. En un movimiento que hizo de la confrontación, la irreverencia y el rechazo a los cánones establecidos su principal bandera, ella consiguió algo aparentemente imposible: convertir la feminidad y el atractivo físico en un acto de rebeldía. Mientras muchos de sus contemporáneos buscaban destruir cualquier vestigio de glamour heredado del rock de los setenta, ella lo reinventó desde la ironía, la intelige

Doo-Bop es el testamento que mejor refleja la inagotable inquietud creativa de Miles Davis. Publicado de manera póstuma en 1992, el álbum captura a un artista que, lejos de refugiarse en la nostalgia de su propia leyenda, seguía buscando nuevos territorios sonoros. Mientras muchos de sus contemporáneos defendían la pureza del jazz como un patrimonio intocable, Miles volvía a hacer lo que había hecho durante toda su vida: escuchar las calles, absorber el presente y convertirlo

Si hubo un momento en el que el universo del jazz fusión y el rock británico parecían hablar el mismo idioma, fue cuando Stanley Clarke cruzó caminos con Jeff Beck y Keith Richards. Con Beck, la conexión fue especialmente profunda. Todo comenzó cuando el guitarrista quedó fascinado por el álbum Stanley Clarke (1974), al punto de incorporar el tema “Power” a su repertorio en vivo. A partir de ahí nació una amistad musical que produjo algunas de las colaboraciones más memorable

El estilo retro único de Chris Isaak no es un simple ejercicio de nostalgia: es la demostración de que el pasado puede reinterpretarse con una voz propia. En una época dominada por sintetizadores y la producción digital, Isaak eligió mirar hacia las raíces del rockabilly, el primer rock and roll y las baladas orquestales de los años cincuenta y sesenta, construyendo un universo sonoro atemporal que parecía suspendido entre el sueño y la melancolía. Su inconfundible falsete, l

La versatilidad de David Paich fue, quizás, el ingrediente secreto detrás del sonido inconfundible de Toto. Más que un simple tecladista, Paich actuó como arquitecto musical: compositor, arreglista, productor, cantante ocasional y visionario capaz de unir el rock, el soul, el jazz, el funk y el pop sofisticado en una misma identidad sonora. Fue responsable de clásicos como Hold the Line, Rosanna y Africa, piezas que condensan su extraordinaria capacidad para combinar compleji

Su estilo nunca se basó en la exhibición técnica ni en la velocidad vertiginosa. La grandeza de Fleetwood radica en algo mucho más difícil de alcanzar: la capacidad de sostener una canción con una pulsación inquebrantable y, al mismo tiempo, dotarla de una personalidad única. Su batería respira, se balancea y conversa con el resto de los músicos de una manera que pocos bateristas de rock han logrado. Desde los días de blues británico de Fleetwood Mac hasta la sofisticada arqu

Pocos músicos representan tan bien la paradoja del talento descomunal y el reconocimiento insuficiente como Eumir Deodato. Para el gran público, su nombre suele aparecer asociado a una sola pieza, la electrizante versión de Also sprach Zarathustra (2001) de 1973. Sin embargo, detrás de ese éxito se encuentra uno de los arquitectos más sofisticados de la música popular del siglo XX. Deodato fue un puente entre mundos aparentemente incompatibles. Tomó la elegancia armónica de l

Para un cierto tipo de aficionado a la música, descubrir que muchas de las canciones más asociadas a Barry Manilow no fueron escritas por él puede producir una sensación extraña, casi comparable a una pequeña traición sentimental. No porque el artista haya ocultado deliberadamente la verdad, sino porque durante años su voz, su estilo y su personalidad quedaron tan profundamente fusionados con esas canciones que parecía imposible imaginar otro origen. La desilusión nace de una

*Kisses on the Bottom*, publicado en 2012, es mucho más que un ejercicio de nostalgia por parte de Paul McCartney. Es la manifestación más íntima de una de las corrientes creativas que siempre alimentaron su música: el cancionero estadounidense de las décadas de 1920, 30 y 40 que escuchaba de niño en Liverpool, cuando las melodías de salón, el jazz ligero y las grandes canciones románticas formaban parte del paisaje cotidiano de su hogar. Durante décadas, la figura de McCartn

Publicado en 1986, The Queen Is Dead representa el momento en que The Smiths alcanzó la plenitud de su identidad artística. Es un disco donde la mordacidad literaria de Morrissey y la extraordinaria arquitectura melódica de Johnny Marr convergen de forma casi perfecta, dando vida a una obra que captura la melancolía, el humor negro y la inconformidad de una generación. La canción que da título al álbum es una declaración de principios: irreverente, teatral y desafiante frente