Su obra no puede entenderse solamente desde la electrónica, el ambient, el house o el pop: hay que entenderla desde una sensibilidad que encontró en los sintetizadores, los samplers y las cajas de ritmos una nueva forma de expresar algo profundamente antiguo: la belleza. En una época en la que la música electrónica parecía obsesionada con el futuro, Orbit decidió mirar también hacia el pasado. Mientras buena parte de la cultura dance encontraba su identidad en la velocidad, e

En 1984, Prince Rogers Nelson no buscaba convertirse en una estrella mundial. Quería demostrar que la música negra podía apropiarse del lenguaje del rock sin pedir permiso; que la sensualidad podía convivir con la espiritualidad; que un solo artista podía escribir, producir, interpretar y reinventar cada elemento de una obra sin depender de nadie. Purple Rain fue la declaración definitiva de esa independencia. Hasta entonces, el mercado insistía en dividir la música en catego

A mediados de los años ochenta, Def Leppard parecía destinado a convertirse en la mayor banda de rock del planeta. Sin embargo, el destino decidió imponer un precio descomunal. En diciembre de 1984, el baterista Rick Allen perdió el brazo izquierdo en un accidente automovilístico que, para cualquier observador, significaba el final de su carrera. En una industria donde el espectáculo rara vez concede segundas oportunidades, la lógica indicaba que la banda buscaría un reemplaz

Hay un momento dentro del álbum que resume toda la paradoja de Halfway Between the Gutter and the Stars* Ocurre cuando Bootsy Collins pronuncia, casi como una advertencia disfrazada de invitación: "Don't be shy by the tone of my voice...". No es una frase agresiva ni desafiante; al contrario, parece una petición de confianza. La voz grave y elástica de Collins funciona como un narrador que invita al oyente a dejar atrás los prejuicios y entregarse a la experiencia. Es una int

Halfway Between the Gutter and the Stars (2000), la obra más refinada de Norman Cook, es uno de esos casos extraordinarios en los que la literatura termina moldeando la arquitectura emocional de la música. El propio título del álbum proviene de una de las frases más célebres de Oscar Wilde: "We are all in the gutter, but some of us are looking at the stars." ("Todos estamos en el lodo, pero algunos seguimos mirando las estrellas.") Una sentencia escrita a finales del siglo XI

En la década de los cincuenta, cuando Estados Unidos aún vivía bajo profundas divisiones raciales y culturales, Memphis era un cruce de caminos donde el blues del Delta, el góspel de las iglesias afroamericanas, el country de los Apalaches y el rhythm & blues convivían sin mezclarse del todo. Sam Phillips comprendió que aquella separación era artificial. La música hablaba un lenguaje mucho más poderoso que cualquier frontera social. Su sueño era sencillo y revolucionario al m

La historia de la música suele recordar a quienes ocupan el centro del escenario. Los rostros aparecen en las portadas, las voces llenan los estadios y los nombres se convierten en leyenda. Sin embargo, existe otra historia, mucho más silenciosa, escrita desde las sombras del estudio de grabación. Es la historia de quienes modifican el lenguaje de la música sin necesidad de convertirse en celebridades. Brian Joseph Burton pertenece a esa estirpe. El mundo lo conoce como Dange

Hay músicos que dominan un instrumento. Hay otros que dominan una canción. Y existe un grupo mucho más reducido capaz de sostener el equilibrio de una arquitectura completa. Geddy Lee pertenece a esa última categoría. En apariencia, todo en él parece contradictorio. Un cantante de registro agudo casi imposible, cuya voz nunca obedeció a los cánones tradicionales del rock. Un bajista que convirtió un instrumento de acompañamiento en el eje melódico de una banda. Un tecladista

La fiesta se pone mejor, el debut de Machine Gun Kelly (mgk) en México avanza al siguiente nivel, la DJ mexicana Jessica Audiffred, “la reina del Bass”, se une a la celebración. Es hora de disfrutar en carne propia la espectacular experiencia de mgk en vivo, y para mejorar la experiencia y la producción, el evento se muda al Velódromo Olímpico de la Ciudad de México. Como parte de este crecimiento y para ofrecer la mejor experiencia de producción, el concierto ahora se llevar

Pocas carreras en la historia de la música ilustran con tanta crudeza la fragilidad de la fama como la de Sinéad O'Connor. En apenas unos años pasó de ser la voz más conmovedora de una generación a convertirse en una figura incómoda para la industria, los medios y una parte del público. Del cielo al infierno en un solo gesto. Una fotografía rota. Un acto de conciencia. Una sentencia de aislamiento. Su ascenso había sido fulgurante. Aquella joven irlandesa de cabeza rapada, mi

Hay artistas que interpretan canciones. Hay otros que terminan convertidos en ellas. Mick Jagger pertenece a esa rarísima categoría. Desde hace más de seis décadas no solo canta Sympathy for the Devil: la habita. No porque encarne el mal, sino porque comprendió antes que nadie que el rock necesitaba un personaje capaz de mirar a la moral establecida con una sonrisa burlona, elegante y provocadora. A sus 83 años, Jagger continúa siendo la definición misma del rock'n'roll. No p

Hay artistas que interpretan un género y hay otros que parecen haber nacido de él. Amy Winehouse pertenecía a esta segunda categoría. Su voz no era únicamente una herramienta privilegiada: era el eco de una tradición centenaria que atravesaba el jazz, el soul y el blues como si aquellas músicas hubieran esperado décadas para encontrar un nuevo cuerpo donde habitar. Escucharla era descubrir a una mujer nacida en el Londres del siglo XXI, pero con el alma extraviada en los club

Hay músicos que destacan por su virtuosismo. Otros por su capacidad para escribir canciones. Don Henley pertenece a una categoría mucho más escasa: la de aquellos artistas cuya identidad resulta inseparable del sonido de una banda entera. En Eagles, Henley no fue únicamente el baterista. Tampoco fue solamente uno de los principales compositores. Fue la voz que otorgó gravedad emocional al repertorio y el pulso rítmico que sostuvo canciones que, décadas después, continúan form

En una industria obsesionada con la juventud, la velocidad y las modas pasajeras, Tony Bennett representó una idea casi olvidada: la elegancia también puede ser revolucionaria. Mientras el negocio de la música se reinventaba una y otra vez —del rock al disco, del MTV al streaming—, Bennett permaneció fiel a una convicción aparentemente sencilla: una gran canción nunca envejece. Su carrera es una de las más extraordinarias de la música popular estadounidense precisamente porqu

Antes de Supernatural, Carlos Humberto Santana Barragán no necesitaba demostrar que era un gran guitarrista. Ya había cambiado la historia del rock en Woodstock, había unido el blues, el jazz y los ritmos afrolatinos en una propuesta única, y había firmado clásicos como Abraxas, Caravanserai o Moonflower. Sin embargo, el éxito comercial suele ser injusto con los artistas que se niegan a repetir fórmulas. Durante buena parte de los años ochenta y noventa, mientras el mercado p

Antes de que el virtuosismo se convirtiera en un fin en sí mismo, hubo bateristas que entendieron que la verdadera grandeza residía en la elegancia. Philly Joe Jones pertenece a esa estirpe irrepetible. Su batería nunca buscó imponerse sobre la música; buscó ennoblecerla. Si Stewart Copeland deconstruyó la base rítmica para abrir nuevos caminos en el rock, Philly Joe Jones llevó la base rítmica del jazz a un nivel de refinamiento que aún hoy permanece como un modelo de buen g

Antes que un baterista virtuoso, Stewart Copeland entendió que la batería podía convertirse en un instrumento de deconstrucción. Mientras la tradición del rock consistía en consolidar el pulso, en reforzar el peso de la canción desde un ritmo sólido y predecible, Copeland hizo exactamente lo contrario: fragmentó la base rítmica sin romperla. Su genialidad consistió en crear la sensación de que cada una de sus extremidades interpretaba una canción distinta, aunque todas termin

Antes de Remain in Light, antes incluso de que Fear of Music consolidara a Talking Heads como una de las bandas más inquietas de finales de los setenta, existió un disco que marcó el punto exacto en el que el grupo dejó de ser una inteligente anomalía del punk neoyorquino para convertirse en un laboratorio sonoro. Ese disco fue More Songs About Buildings and Food (1978), y gran parte de esa transformación llevó la firma de Brian Eno. Hasta entonces, Talking Heads habían const

El 13 de julio de 1985, el mundo creyó estar presenciando el futuro de la música. En realidad, estaba asistiendo al final de una época. Live Aid permanece en la memoria colectiva como el mayor concierto benéfico jamás organizado. Más de mil millones de personas siguieron la transmisión desde distintos rincones del planeta mientras dos estadios —Wembley, en Londres, y el JFK Stadium, en Filadelfia— reunían a la élite absoluta del rock y del pop. La causa era noble: recaudar fo

Cuando Leon Bridges irrumpió en 2015 con Coming Home, muchos pensaron que se trataba de un ejercicio de nostalgia. Su voz evocaba la calidez de Sam Cooke, la elegancia de Otis Redding y la espiritualidad del góspel sureño. Su vestimenta, la producción analógica y los arreglos minimalistas parecían sacados de un estudio de Memphis de mediados de los años sesenta. En una época dominada por la electrónica y el hip-hop, Bridges sonaba como un artista perdido en el tiempo. Sin emb